Cine ao cubo ロ³

A maldade construída no ventre

2012-01-27T14:05:00.006-02:00

Precisamos falar sobre Kevin
(2011)

Ao assistir esta obra de Lynne Ramsay a vontade de conhecer mais da diretora me atingiu e assim fez-me voltar em 1999 para ver “Ratcatcher”, seu primeiro longa, e depois em 2002 para ver “O Romance de Morvern Callar”, seu último trabalho. Sempre entrelaçada a problemas familiares anexados a tragédias pessoais, aqui a diretora adapta o livro “We need to talk about Kevin” de Lionel Shriver e nos trás a raridade do tema na relação da mãe com um filho na conseqüência da rejeição no ventre e é aonde chegamos à conclusão que, ao invés de falarmos de Kevin, aqui na verdade nós precisamos falar sobre Eva.

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Em todos os trabalhos, Lynne Ramsay apresenta protagonistas que já estão numa situação psicológica prejudicada e aqui não é diferente, desde que vemos Eva ( Tilda Swinton) alienada a loucura da festa da “tomatina” até percebermos que possuía um relacionamento que dava problemas ao seu marido Franklin (John C. Reilly) que ligava a sua procura. Depois na euforia do sexo entre os dois, a mulher fora de si se torna incapaz de entender o que seu marido queria dizer com “Você tem certeza disso?”. Um sexo sem prevenção. A câmera foca o relógio: Meia noite e um. Novo dia. Kevin, numa imprudência, está feito.

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Com isso, vamos ver que a introdução do roteiro procura nos dirigir ao princípio de como Kevin era um filho imprevisto e com isso indesejável. Eva sofre pelo acidente da gravidez, repudia a sua e a barriga das demais grávidas. O pedido constante da enfermeira para com ela no parto dizendo “Eva, não resista!” é sinônimo de que prefere à constante dor a infelicidade de ser mãe. E assim, a narrativa nas mãos de Lenny vai começar a percorrer o caminho da causa (O que a mãe passou para o filho) e a conseqüência (O que o filho passará para a mãe).
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Evitando assim qualquer hipótese de proximidade com sua mãe, por mais que lhe dê falsas esperanças, Kevin na infância ( Jasper Newell ), parece onisciente quanto aos pensamentos de Eva e até mesmo de toda sua história. Parece saber que foi rejeitado e quer vingança usando de uma racionalidade que vai além de sua idade para descontar daquilo que não recebeu no ventre. Kevin não se trata de um Damien de “A Profecia”. Ele é “natural”. Quando jovem (Ezra Miller) dá uma progressão viciante a toda essa questão de não dar paz e criar situações para surpreender a mãe do que ele é capaz, com uma personalidade que em seu interior julga existir por causa dela.
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Parece muito falar sobre Eva e Kevin, mas ainda é pouco, caro leitor. O trabalho de personagem aqui estabelecido por Ramsay é à base de todas as forças de seu trabalho, levando a qualquer outro quesito desempenhar suas funções através daquilo que cada figura é no filme. As contínuas utilizações da cor vermelha para demarcar as lembranças de Eva dão o tom da fotografia. A posição da câmera muita vezes foca a família numa mesma cena, com os personagens em distâncias coerentes com a proximidade espiritual de cada membro (basta olhar os lugares que cada um ocupa na mesa, com Kevin ao centro) e também vemos que por mais conflituosa que seja a relação de mãe e filho ainda se encontram numa semelhança física intrigante (como na cena do corte abrupto em que Eva mergulha o rosto na água e depois nos deparamos com o rosto de Kevin, na mesma ação - imagem ao lado) e de gênero (Quando o próprio Kevin diz que puxou a mãe - imagem título).

Ramsay acredita na capacidade de dedução do espectador. Gosta de focar os objetos para estabelecer um diálogo conosco: uma delas ocorre na agência de viagens onde Eva consegue emprego, com funcionários caricatos e ambientes de aparência desgastada. Na cena, há um cartaz escrito “Is for Lovers” em que o vento incomoda a todo o momento a palavra “Lovers”, numa demonstração que as pessoas que estão ali pouco vivem a expressão. Além disso, a diretora gosta de focar as feições, passear com a câmera nos gestos físicos, nas ações sem palavras, mas capaz de gerar-nos qualquer tipo de sentimento (a cena em que Kevin mastiga uma fruta no café é irritante).

Além de saber muito bem onde colocar a câmera, Lenny sabe trabalhar com a montagem de Joe Bini . Os primeiros minutos de “Precisamos falar com Kevin” são primordiais e admiráveis. Um misto de toda a história se resume neste instante. Ali todos os caminhos da narrativa vão se entrelaçando, começando por uma cena que se comunica com o final. Não parando por ai, percebe-se que na tomada em que Eva é mergulhada naquela piscina de tomates os gritos não pertencem àquela cena, mas sim a uma que veremos no final. Mais do que isso, todo o momento de felicidade dela no filme é acompanhado da mesma música que é tocada no instante mais trágico de sua vida, em frente ao colégio, provando aqui o quanto a trilha sonora também é desempenhada através da personagem.
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E toda essa bagagem pesada de um pesadelo vivido por uma mãe não chegaria até nós se não fosse por Tilda Swinton (Ignorada no Oscar) que nessa característica da diretora de manter o foco nas expressões se sai mais do que bem no difícil papel que recebeu. A atriz consegue manter o estado apocalíptico da vida de Eva, da culpabilidade, sem esperanças de renascimento, de predominante passividade as conseqüências da tragédia. A diretora Lenny Ramsay consegue sua maior obra, sendo desconfortável, tenso, pessimista, mas que não nos impede de saborear um bom trabalho, principalmente por causa do desempenho devastador de sua protagonista.
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ロロロロ (Filme Ótimo)

Vamos FofOscar...

2012-01-25T00:26:00.003-02:00

Parece que foi ontem que ficamos indignados com mais uma esnobada que a academia deu a Christopher Nolan em “A Origem”, principalmente por não ter sido indicado em direção e edição e daqui a respectivamente um ano citarei com o que ficamos desapontados neste Oscar de 2012, caso eu ainda esteja por aqui. É e sempre será assim. Como disse ano passado, Não é o Oscar que tem que aprender a ser no mínimo decente, mas sim nós a aceitarmos que ele nunca será justo. Ainda mais que nosso vício cinéfilo exige uma tragada dessa substância ao menos uma vez por ano.

Neste ano era imprevisível a quantidade de filmes indicados na categoria principal, já que o filme deveria obter uma boa média estabelecida para estar entre os principais e assim teríamos, no mínimo, cinco indicados e acabamos tendo nove. E como fizemos na primeira edição do “FofOscar” , aqui deixo algumas rapidinhas sobre o festival neste ano. Algo nada muito sério, assim como a própria premiação exige.

MELHOR ROTEIRO ORIGINAL

Aqui três surpresas agradáveis: “Missão Madrinha de Casamento” conseguindo um espaço digno e merecedor, assim como “A Separação” que é favorito a estrangeiro. “Margin Call” eu ainda na assisti, mas se torna novidade enquanto “50%” e “Young Adult” pareciam vagas garantidas, além de “Vencer vencer”.

MELHOR ROTEIRO ADAPTADO

“Os Homens que não amavam as mulheres” poderia tranquilamente ocupar o lugar de “O Homem que mudou o jogo”. A precisão nos diálogos e os personagens melhor desenvolvidos, assim como possui um conjunto melhor de atuações. Mas, “Histórias Cruzadas” não indicado aqui já é um absurdo a menos.

MELHOR CANÇÃO

Duas canções imprevistas, já que até “The Muppets” apontava “Life is a happy song” e “Pictures in my head” como prioridades e acabou indo "Man or Muppet". E “Real in Rio” na representação brasileira pela animação “Rio”, que desbancou as apostas que muitos tinham em algumas músicas de “Histórias Cruzadas” e “Albert Nobbs”. Mas, ainda assim, está na hora da academia rever a categoria.

MELHOR EDIÇÃO

Aqui sim é de se reconhecer um bom trabalho técnico em “O Homem que mudou o jogo” e assim manteria entre os indicados. Mas, tenho um apresso pela edição de “Precisamos falar sobre Kevin” e obviamente por “A Árvore da vida” . Sendo assim, tiraria “Os Descendentes” que não possui essa parte técnica (de som a imagem) dignas de serem destacadas.

FILME ESTRANGEIRO

Minha categoria favorita pela sua imprevisibilidade e pela qualidade dos concorrentes, geralmente melhores do que aqueles que estão na categoria principal. Mesmo que ano passado tenha sido “fácil” decifrar a vitória (injusta) de “Em um mundo melhor”, até 2010 as coisas eram bem incertas. Por isso, mesmo que “A Separação” seja franco favorito ficaria com medo do israelense “Footnote” e do canadense “Monzieur Lashar”, não vi esses nem os demais concorrentes do iraniano, mas estes já apresentam um histórico dentro da categoria e o Oscar não costuma fazer um país perder durante muito tempo. E como gostaria que Taiwan tivesse uma vaguinha, mas os próprios esqueceram-se da preguiça da academia por filmes longos, ainda mais tendo que ler.

DIRETOR

Vejo Alexander Payne minúsculo mediante aos demais nomes que enfrenta. David Fincher apresenta uma direção um pouco mais consistente. Entretanto, ouso dizer que até Clooney poderia ocupar essa vaga, assim como Tomas Alfredson. Firmo mais uma vez que a força de “Os Descendentes” está na atuação de seu protagonista e no roteiro e para por ai.

ANIMAÇÃO

Zebra na ausência de “As Aventuras de TinTim” que muitos já apontavam como o vencedor da categoria, mas vejo que a academia leu a minha crítica aqui no blog e viu que eu estava certo que o filme não é lá essas coisas (risos e medo dos leitores). Pixar teve a consequência de só ter “Carros 2” para oferecer, assim como “Operação presente” ficou no vácuo.

Kung-Fu Panda 2 deixou de ser sexta opção e ficou entre os cinco, além do razoável “Gato de Botas” e o agora favorito “Rango”. A novidade fica com a animação francesa “A Cat in Paris” e “Chico e Rita” de Fernando Trueba, vencedor do Oscar de melhor filme estrangeiro pelo espanhol “Sedução” no começo da década de noventa.

Uma demonstração atípica e audaciosa da academia, mas que não esconde que essas atitudes parecem um tanto quanto forçadas.

ATOR

Ryan Gosling sem vaga. Gary Oldman indicado justamente e Demian bem lembrado, num filme que difere bastante do estio que a academia priorizou neste ano.

ATRIZ

Tilda Swinton sem vaga. E Rooney Mara recebe aquela indicação que já vale como prêmio por “Os Homens que não amavam as mulheres”. A personagem não dá condições de a garota demonstrar a que veio, ganhou a atenção por ser colocada em situações extremas.

ATOR COADJUVANTE

Já não bastasse as categorias técnicas que “O Homem que mudou o jogo” entrou injustamente, também entra aqui com Jonah Hill, que não vai mal, mas sabemos que não chega a merecer um espaço aqui enquanto Albert Brooks que foi um monstro em Drive foi ignorado.

ATRIZ COADJUVANTE

Me simpatizo e muito com "Bridesmaids", mas admito que a presença de McCarthy é questionável, embora me alegre, no mais, nada a acrescentar nem a desconfiar da vitória de Spencer.

MELHOR FILME

A previsibilidade do Oscar incomoda nestes momentos. Só digo que gostaria muito que ao invés de darem atenção a tantos filmes pretensiosos, poderiam dar chances a despretensiosos trabalhos como “Drive”, “Precisamos falar sobre Kevin”, “Tudo pelo Poder”, “Os Homens que não amavam as mulheres” (apesar de alguns “poréns”) e até mesmo dar-nos a felicidade de ver “Missão Madrinha de casamento” ou “50%” entre os principais para reavivar o gênero. Não seriam absurdos, mas iria valorizar o cinema que respeita a arte e o público. No entanto, gosto das indicações do favorito “O Artista”, “Hugo”, “Meia noite em Paris” e principalmente por reconhecerem o grande trabalho que é “A Árvore da Vida”.

As Aventuras de Steven Spielberg

2012-01-18T08:34:00.003-02:00

As Aventuras de TinTim

(2011)

As obras de Spielberg desde quando criadas possuem a característica quase singular de estar voltado a todo o tipo de público, independente de seu caráter. Quando encarnado numa história de aventura o diretor atinge as crianças de idade e aquelas outras que teimamos em esconder, num mundo que nos cobra a maturidade. Entretanto, aqui em “As Aventuras de TinTim” assistimos a um Steven com seu controle na mão brincando de vídeo-game num jogo de uma correria de cansar o físico e o emocional e no final das contas, para um diretor que sempre me pareceu ter uma idéia sobre o que o público quer ver, a coisa toda parece uma cobrança de pênalti que foi parar nas arquibancadas.

Embora “As aventuras de TinTim” seja um filme sobre um jovem corajoso, tenho que dizer que o filme num todo não passa de um covarde, sem vergonha! Combinamos um programa de férias para nos entreter com família e amigos e pegarmos um bom cinema e nos deparamos com um filme que, mais do que apresentar os defeitos futuramente mencionados, tem a cara de pau de nos colocar no meio de uma correria interminável e nos fazer sair da sala exaustos!

O maior problema com um dos principais representantes da arte das boas aventuras é perder a mão no dinamismo da história e só manter a excelente estética que sempre nos apresentou. A animação em movimento é espetacular: Ser preso num navio em alto mar, fugir dele, ficar sozinho a mar aberto, roubar um avião, pousá-lo num deserto, longas perseguições, uma ruptura de uma barragem, inundação, guindastes... Ufa! A ação cresce cansativa, uma vez que não para, e o filme torna-se uma sucessão de enfoques deslumbrantes, porém desprovido de sentimentos.

O filme não é um completo desperdício: adequadamente recria os quadrinhos, embutido num universo em que as câmeras em movimentos nos trás detalhes inteligentes, a trilha sonora perfeita, coerente a cada situação e salvando algumas tomadas de certas calamidades. Mas quando a ação incessante de Spielberg começa rapidamente se transforma num produto que pouco podemos nos alimentar, quando hoje felizmente já encontramos um público que exige um pouco mais daquilo que as animações têm a oferecer, sem ser os aspectos sensoriais, mas sim os intelectuais. Portanto, pela clara predominância da ação, vê-se que se as animações progridem a um amadurecimento maior do que filmes de outros gêneros, significa então que usar destes estilos apenas como uma injeção no espectador é um ato retrógrado, falho e talvez infantil.

É óbvio que "TinTim" mostra claramente que o que você está vendo nunca poderia ter sido realizado com seres humanos. Mas é difícil imaginar um filme com seres humano sendo este cansativo - ou deprimente - na sua incapacidade de gerar magia. E o pior é que tenta isto desde o começo da rodagem. O elenco é sem inspiração, os personagens são infecundos, senso de aventura vertiginosa e o seu clímax remoto a duas figuras atacando uns aos outros com guindastes.

Algo que Spielberg cuidou em seus melhores filmes foi criar expectativa ao desenvolvimento, para isso aproximava o protagonista do espectador, coisa que não acontece aqui. Não há limites para TinTim e com isso a falta de limitar o heroísmo (Como fez com Indiana Jones em “Os Caçadores da Arca perdida” e seu medo de cobras)e assim em meio à aventura sempre se deparar com seus maiores pavores, diminui as emoções da história. Há também uma ausência de estudo dramático em cima dos personagens e também carece de um equilíbrio entre o suspense e a força narrativa com algum envolvimento emocional. E não preciso nem falar o quanto o ladrão de carteiras em paralelo as aventuras do garoto é inútil e mal aproveitado.

Ainda assim, existem situações em que aparentam uma percepção do diretor mediante aquilo que está faltando na obra, porém não solucionam ou tornam o filme ainda mais fraco. O grande aliado de TinTim é um marinheiro bêbado, cujos impulsos e delírios alcoólatras fornecem a maior parte do suposto humor do filme. Falho. Vê-se também uma tomada de pessoas sendo mortas, jogadas amarradas ao mar, mas que passam rapidamente e assim o filme perde a oportunidade de ajudar na falta de consistência argumentativa que o longa possui, com algo mais profundo. Além disso, o Steven se toca em exigir de nossa racionalidade, após nos fazer fugir de um navio em alto mar, roubar um avião e quase morrer no deserto nas cenas de alucinação do marinheiro, mas que só colabora com a decadência de “As Aventuras de TinTim”.

E é assim, pela sensação de Spielberg nos dizendo: “Eu quero apenas brincar com a nova tecnologia que tenho hoje” que declaro seu filme como algo bem deprimente e esquecível. Que me agradaria se eu quisesse passar duas horas assistindo a um garoto corajoso e seu cão correndo, pulando, voando e nadando em busca de aventuras. Os espectadores estão evoluindo e alvo atrás desse tipo de filme estão ficando extintos. Que Spielberg não se torne um “nerd” com brinquedos novos em mãos e prejudique a qualidade que tinha em nos aventurar quando transformava o artificial em algo tão vivo.

ロロロ (Filme Bom)

O que levo de 2011

2012-01-05T15:22:00.013-02:00

Devido a fatores que vão desde a falta de qualidade que tivemos nos filmes lançados este ano, até a minha infidelidade com os mesmo, seleciono os dez melhores filmes do ano, por estes terem conseguido deixar algo comigo durante o ano, seja por uma cena, por uma fala, por uma atuação ou por qualquer momento que se repetirá em minha mente durante anos. Enfim, mesmo ciente que melhores ficaram de fora, este é o Top dez do Cine ao Cubo, sem ordem de preferência e baseados nos filmes que foram para o cinema e até mesmo direto para as locadoras.

CISNE NEGRO, de Darren Aronofsky

...E o surreal refúgio na busca pela perfeição.

INCÊNDIOS, de Denis Villeneuve

E a cena da criança correndo para os braços da Mãe.

A PELE QUE HABITO, de Pedro Almodóvar

E as palmas que bati na desconcertante revelação.

POESIA, de Lee Chand-Dong

E o jus ao nome.

CONFISSÕES, de Tetsuya Nakajima

E o que você conseguir entender da mistura de sangue e leite.

PINA, de Wim Wenders

E quando não puder falar... Dance.

A ÁRVORE DA VIDA, de Terrence Malick

E a inexplicável cena do Arranha-céus.

MEIA NOITE EM PARIS, de Woody Allen

E a vontade de ir embora...

TUDO PELO PODER, de George Clooney

"- Dignidade importa. "

MISSÃO MADRINHA DE CASAMENTO, de Paul Feig

E o banheiro do outro lado da rua.

Falsa independência

2011-12-06T16:24:00.004-02:00

Amores Imaginários
(2011)

Nos anos 50, um jovem criticou a situação do cinema em seu país, na França. Foi levado a sério, fez polêmica, falou que tudo era cômodo e superficial. Viu que o atrevimento ainda era pouco, resolveu mostrar como é que se devia fazer e no seu filme de estréia ganhou prêmio de melhor diretor em Cannes. Implantou assim o movimento “A política dos Autores” em que os cineastas poderiam arriscar e criar para cravar cada um seu estilo próprio. Este foi François Truffaut não deixando ser novidade o jovem Xavier Dolan no cinema mundial.

Mas, enquanto um foi consolado pelo cinema, Xavier Dolan mais me parece um adolescente nascido em berço de ouro, mimado, cheio de frescuras, que quer tudo do seu jeito e que aproveitou do dinheiro para brincar de fazer cinema e para isso imita o estilo de Wong kar-wai, Gus van Sant e Truffaut , pesquisa músicas clássicas e as jogam repetidamente em suas cenas e assim conclui um produto pseudo-original, para se transformar num diretor sem identidade e superestimado para completar o hype. Ou ainda dizer que o jovem pode caber a uma sociedade que hoje glorifica o que ainda cheira a leite ou que tem certo preconceito com a heterossexualidade definitiva.

Entretanto, cabem a nós sermos justos e dizer que muitas coisas são bem apresentadas, mas Dolan precisa se basear em alguém urgentemente para dar consistência ao seu roteiro. Francis (Xavier Dolan) , Marie (Monia Chokri) e Nicolas (Niels Schneider) se tornam um trio inseparável, mas que logo têm seus sentimentos embaraçados por Nicolas acabar sendo a esperança de uma história de amor na vida dos outros dois. O longa até começa bem, principalmente ao perceber como que o diretor usará das imagens e das feições dos atores para definir e premeditar o contexto da história.

É um fator interessante e que demonstra uma capacidade quase impar o fato de o diretor usar das imagens como ato verbal para transmitir ao espectador o sentimentalismo e, mais proveitoso do que isso, o descarte de diálogos quando a posição da câmera e o emblema de cada personagem já falam por si só. Mas, a catástrofe se dá por Dolan escancarar para nós a mesma mensagem do início ao fim da película. Uma prolixidade que causa no roteiro um desenvolvimento não lento, mas subjetivamente estático.

Os problemas com o andamento não param por ai. O defeito se torna ainda mais grotesco com a futilidade no aspecto documental embutido no longa, quando Xavier resolve intercalar depoimentos de pessoas com frustrações amorosas ( mas, que na verdade é a própria frustração com a vida, num todo), onde até mesmo as técnicas de filmagens se tornam previsíveis.

Não defino o caso a três como um triângulo amoroso, mas sim como uma guerra dos sexos ou uma briga entre os personagens com o próprio eu, buscando as melhores armas no outro e isso também argumenta a obviedade do destino de cada um. Espectador que se preze logo percebe o final da história e se prezar mais ainda, irá saber desde o título do filme. A análise de cada figura poderia até render, mas chegaria eu no mesmo destino emocional de cada personagem, assim como acontece com todo “Amores Imaginários”. E por mais que a cada tomada seja como se ele nos dissesse: “ Olhem como sou diferente”, certamente o canadense não se encaixaria no perfil do movimento que Truffaut criou pela falta de autenticidade do diretor.

ロロ (Filme Razoável)

Abrams S2 Spielberg

2011-08-13T13:19:00.004-03:00

Super 8 (2010)

Certos diretores não colaboram com a nossa situação de escrever sobre os filmes que eles fazem. Por vezes, temos que procurar caminhos para falar de erros e acertos que até os espectadores mais distantes da cinefilia já esperavam que fossem escritos. Nós, como pseudo críticos dos clichês vistos em telas, não podemos também ser repetitivos. Contra testemunho é um pecado grave e procuramos à salvação e os ateus a coerência. Aqui, em “Super 8”, Abrams nos obriga a levar diversos fatores em consideração por se tratar de um cine homenagem, mas temos que procurar a justiça ao dizer que o diretor mais me parece inseguro do que cauteloso.

Mas, quando banda amadora canta música famosa da até para sentir um ar de qualidade. Coisa semelhante acontece por aqui, pois o resultado final é um filme apenas bom. O diretor, roteirista e produtor J.J. Abrams sobrecarrega esta aventura com tanta preocupação na homenagem ao seu co-produtor Steven Spielberg, que ao jogar com os maiores sucessos do diretor, esquece de ao menos trazer as sensações características da ficção, chegando às vezes a vetar o sentimento de admiração. O pior de tudo isso é que o agrado do preito prestado fica preso ao autor e ao homenageado, não atingindo completamente o espectador.

A razão do nome não vem do monstro como de costume, mas sim do modelo de câmera utilizado por um grupo de adolescentes que estão gravando um filme amador, numa estação de trem, quando de repente acontece um grande acidente. Com a sobrevivência de todos, a turma foge quando percebe a chegada de uma patrulha. Tempo depois, a intriga da história vai se formando com o desaparecimento de algumas pessoas na cidade e a preocupação do exército com alguns objetos perdidos no acidente.

Um desses objetos fica com o protagonista Joe Lamb (Joel Courtney), que compõe um elenco que qualifica o filme e o livra de ser uma bomba de vez. Os personagens de apego instantâneo fazem com que qualquer ação e caos tenha significado, pois o público se preocupa com as pessoas presas dentro do turbilhão. Michael Giacchino responsável pela trilha sonora eleva a aura nostálgica do filme, conseguindo uma referência que não leva apenas a nossa mente a década de oitenta, mas consegue perfeitamente nos trazer uma sensação única durante a projeção. E é desse mesmo sentimento que percebemos a falta ao assistir esse trabalho de Abrams: o enredo é calculado, orgânico, preso aos limites e o resultado é mais uma fórmula testada pelo tempo, em vez de uma criação natural.

Esta fusão de duas sensibilidades cinematográficas, embora eficaz em certos momentos, não é tão excitante ou envolvente como esperavamos. Infelizmente, o J. J. parece que ficou olhando apaixonadamente para Steven Spielberg e não percebeu que seu amor criou o próprio paradigma que acabou limitando seu projeto, forçando esta viagem nostalgica a funcionar como um blockbuster, fazendo com que o longa permaneça com a aura de coisas que já vimos.

Até eu ja estranho estar fazendo o ultimo parágrafo deste modesto texto para um modesto filme de estimados cinquenta milhões de dólares. O problema com o "Super 8" não é o quanto reclamar, mas o pouco que há para ser exaltado. Se conseguisse a façanha de equilibrar a auto-consciência sobre os velhos tempos com os olhos voltados no tempo presente, conseguiria ser mais notável. A principio parecia conseguir, mas depois só caminham para a escuridão, literalmente. Nada passou de uma Paixão momentânea.

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Filme Bom ( ³ ³ ³ )

... Até que fura.

2011-05-19T14:32:00.003-03:00

Os Agentes do Destino ( 2011)

Sozinho. Em frente uma janela a meia luz, cabeça baixa e olhar triste. De fronte ao público, uma satisfação egocêntrica, um sorriso vivaz e esperançoso. Nos jornais ele é impulsivo, irracional e violento. Vencido. Primeiro num ambiente espaçoso, como um objeto insignificante em meio ao nada. Depois o espaço diminui: um banheiro masculino com toque feminino nos lábios do homem derrotado. Encontro inconveniente. Causado por Deus, destino ou sorte?

Dentre a interrogação acima, o diretor e roteirista George Nolfi baseado na ficção científica de 1954, do escritor Philip K. Dick, de parecê-la que na dúvida dos três itens questionados, a única certeza é que cada um de nós somos controlados pela grande mão da burocracia. David (Matt Damon), jovem recém derrotado em sua candidatura ao senado, conhece inoportunamente Elise (Emily Blunt), numa atração instantânea através de um jogo rápido de diálogos que logo os levam a um beijo, dando inicio a essa intriga na narrativa. No entanto, existe uma organização secreta que parece composta por homens comuns, mas que passam por um estágio sobrenatural, quando vemos que sua função é garantir que as notas preordenadas pelo denominado (mas, nunca definido) “Presidente” sejam exatamente ministradas.

Um dos fatores mais importantes para o espectador acolher a aura da história é perceber o que talvez demore a ficar claro: “Os Agentes do Destino” se trata de uma história romântica em primeira ocasião, que ressoa dentro das armadilhas da ficção cientifica. Esse aspecto é o que faz o filme de Nolfi dar novos ares a escala de obras que saem recentemente, já que essa borda poética aguça, ao invés de debilitar o romantismo. George consegue abrir vantagem na história já nos momentos iniciais, pois mesmo que o casal deixe a sensação em alguns momentos de um sentimento que parece real, mas em outras situações um mecanismo puro, consegue definir cada personalidade rapidamente. Contudo, o talento de Damon e Blunt se mostra claramente de suma importância para que, num ato tão repentino, a predominância de um espaço vago entre os personagens não se tornasse tão evidente e assim prejudicial ao longa.

Aliado a esse caminho que o roteiro toma estão às respostas convictas e bem explanadas que vão sendo servidas de bandeja ao observador, ainda mais quando percebemos que fatores que antes complexavam nossas mentes, estavam respondidos na figura de Terrence Stamp ou nos chapéus que os agentes usavam. Além disso, é agradável ver que Elise é uma mulher inteligente, sinuosa, de olhar penetrante, franca que faz o protagonista ser tão instintivo, que se torna tão submisso a figura secundária. Falando em submissão, outro dado interessante é o acerto da narrativa desenhar os agentes, canais diretos da ficção em meio a história, como seres de poderio limitado que buscam mais a ação perante as palavras, do que a atribuição sobrenatural. Entretanto, George sabe que só tem a ganhar trazendo efeitos especiais.

A produção não teve muito que se preocupar com os efeitos, isso se deve primeiro pela prioridade que dão ao romance, segundo que a freqüência dos efeitos especiais é pouca, mas de extrema eficiência, feita com nítida tranqüilidade pela edição e filmado com precisão. Outro quesito estético de extrema significância é a fotografia de John Toll que trás a história romântica num aspecto frio, denso e que assim se liga mais as intrigas vividas por Norris, do que a excitação do casal. Colaborando com isso está à expressão sempre fechada de qualquer outro personagem que não sejam os principais, mais o design do figurino ao estilo gângster e o som remixado do Jazz clássico “Fever” de Sarah Vaughan.

Incluso nesse mundo fictício-romântico está também toda uma filosofia, usufruindo dos conceitos do determinismo mais os do livre arbítrio. Além disso, Nolfi também reserva espaços para referências e tons de humor bem leves, mas ainda perceptíveis. Mas, por um instante, de pouco adiantou algumas premissas quando o final mostra que mesmo argumentos fortes podem se tornar contrários as próprias razões, ainda que estejam embalados no mesmo pacote, que acaba se contaminando dentro de seu próprio conceito inteligente.

Entretanto, é sugerido que se releve a brochada que se vê no desfecho. Temos que levar em consideração que “Os Agentes do Destino” consegue ser um thriller romântico que ganha um feito bastante notável, nos colocando junto na busca desenfreada de um jovem pela estabilidade com sua amada. Isso, em meio a toda magia da ficção científica, que é a vilã do amor na história, porém o gênero amigável do roteiro para transformar o que poderia ser um desastre numa das obras mais agradáveis do ano. Respeitando o conceito fantástico do texto de Dick, tratando bem a relação entre o homem e os mistérios da vida, mas totalmente imerso no intimo de seu personagem central, que do oco passou ao preenchimento de um romance inconfundível de duas sensibilidades reunidas num só mundo, mesmo que jogados numa realidade controversa e alucinante, sem deixar de ser um ótimo entretenimento.

ロロロ+ (Filme Muito Bom)

Super-Natural

2011-05-05T14:31:00.003-03:00

Sobrenatural (Insidious)

Observado a matemática dos tempos em relação às tendências que os filmes de terror vem tomando, aqui em “Sobrenatural” a soma dos criadores da série “Jogos Mortal” (James Wan e Leigh Whannell) mais os responsáveis de “Atividade Paranormal“ (Oren Peli, Steven Schneider e Jason Blum) o resultado é, no mínimo, curioso. Interessante seria, caso o produto não fosse completamente novo apenas para toda a produção, mas também para o público.

O sucesso da série começava em 2004 e fazia iniciar a época do torture porn, sendo “Saw” o pioneiro dessa sede do público em qualquer “história” (irônicas aspas) em que partia para uma violência gráfica mais explicita (Mesmo que o cinema japonês já vinha apresentando essas características antes), mas o subgênero foi perdendo a força e REC, em 2007, passa a ser o principio de um novo momento para o horror através da renovação do recurso “câmera na mão”, que fez com que o trabalho de Oren Peli enfim fosse lançado e conseguisse uma arrecadação acima de cem milhões de dólares, dois anos depois do trabalho já concretizado, mas sem distribuidora interessada, por culpa da propensão que James Wan fazia a seu modelo.

Sendo assim, os dois representantes que fizeram mágicas com seus filmes na década passada, transformando mil em milhões, estão juntos em “Sobrenatural”, obra de caráter totalmente atípico dos trabalhos que os fizeram conhecidos em meio ao público. Aqui, após um menino entrar num inexplicável coma, uma família começa a passar por constantes experiências fora das leis naturais e passam a mudar de casa, tentando escapar dessa situação perturbadora.

A partir disso, só podemos inferir que o diretor James Wan e roteirista Leigh Whannell admiram todos os tipos de medo a partir de “Sobrenatural”, deixando este trabalho então num ponto intermediário e até certa parte se mostra eficaz entre esses extremos, deixando de tentar retesar o público por violência gráfica e passando a usar mais das técnicas sonoras. Evitando tanto videocam , na baixa resolução estética,quanto o gore vicioso que Wan ajudou a popular. Ainda assim, não deixam de ter em mãos apetrechos narrativos difíceis de não cair na mesmice, mas quando é para sermos confrontados, as regras se tornam transcendes ao conhecimento do gênero e nos faz sentir que estamos presenciando algo impar, coisa que não acontece aqui, porém o filme consegue apoio na pericia de suas técnicas.

Consciente de sua estrutura batida é nítido o desempenho do roteiro ao tentar ao menos uma atmosfera densa e capaz de assim obter uma capacidade sensorial, que obtêm sucesso nas cenas direcionadas a um proporcional grau de tensão. E as coisas se tornam ainda melhor quando Wan vai apresentando ao espectador uma estética decididamente retro, a principio designada pela trilha sonora arrepiante que nos leva aos clássicos dos anos oitenta, perfeitamente orquestrada junto à atmosfera eficaz. Entretanto, “Sobrenatural” recebe a opção de direcionar-se para outro caminho, para fazer deste uma série de distribuições de referências a clássicos e é onde a estética barroca passa a sobrepor-se diante da construção da tensão e o filme começa a decair por trocar de isca.

Acaba sendo até mesmo irônico ver que o longa optou por um caminho decente, envolto de um perfeito visual freak-outs, em aspectos antiquados que provocam lembranças relacionadas a casa mal-assombrada e a thrillers paranóicos. Ainda que bem atuado e fotografado na frieza de John R. Leonetti e M. David Brewer, que traz uma iluminação enraizada do gênero, por mais que referenciem caprichosamente Horror em Amityville (1979), Don't Look Now (1973) e Poltergeist – O Fenômeno (1982),tendo este ultimo lembrado até mesmo através da câmera itinerante e pelo design de som criativo e, mesmo com toda essa bagagem, se torna pouco subjetivo.

Contudo, quando os paranormais adentram a narrativa, o caminho que James Wan opta pegar é extremamente distinto, mostrando uma mudança muito brusca na aura que permeia até metade do filme. É quando a inspiração óbvia de “Poltergeist “ cruza para “Os Caça-Fantasmas” (1984) e “Sobrenatural” acaba saindo dos trilhos, já que por mais que saibamos a existência de Whannell e Sampson (Claros objetos referenciais) não anula a sensação de pertencerem a um outro universo que não o que a história cria.E, por mais que o arranjo musical sirva como um prenúncio do estilo do terror que estaria por vir, todos os membros da produção não conseguem demonstrar tanta firmeza ao trabalhar com as décadas antigas, como tiveram a “sorte” (no ápice da palavra) de trabalhar na passada.

ロロロ (Filme Bom)